立場新聞 Stand News

惠特尼雙年展2.0  依然批判,誠實不變

2017/5/29 — 10:10

涅韋斯(Raúl De Nieves)作品展出一景。Whitney Biennial 2017, Whitney Museum of American Art, New York, March 17-June 11, 2017.

涅韋斯(Raúl De Nieves)作品展出一景。Whitney Biennial 2017, Whitney Museum of American Art, New York, March 17-June 11, 2017.

【文:謝伊琳】

惠特尼雙年展(Whitney Biennial)一直被視為美國境內具有指標性,能見度最高的雙年展之一。本次的雙年展,同時也是第一次在皮亞諾(Renzo Piano)設計,擁有寬敞展場的新美術館內舉辦,加上由兩位「非白人」的「年輕」策展人所籌畫,種種的第一次,讓雙年展在開幕前有了許多的期待。

本次的雙年展是由館內策展人羅(Christopher Y. Lew)以及獨立策展人洛克斯(Mia Locks)所規畫,他們皆任職過美國現代藝術博物館PS1分館的策展人,今年分別為36 及34歲。或許並非館方的原意,不過許多媒體將焦點放在策展人的亞裔背景(雖然兩位都是美籍)以及30出頭的年紀,戲稱本次是所謂的「後千禧雙年展」(Millennial Biennial)。

廣告

雙年展策展人羅(Christopher Y. Lew)及洛克斯(Mia Locks)。(攝影/Scott Rudd)

雙年展策展人羅(Christopher Y. Lew)及洛克斯(Mia Locks)。(攝影/Scott Rudd)

廣告

本次藝術家的選擇,最不同以往的是,策展人決意大幅調高(接近半數)女性藝術家,非白人/移民藝術家的比例。惠特尼雙年展一向有以反應政治、社會議題的脈絡。不過,雖然本次參展的藝術家多半在去年11月,美國政治風雲變色前就已選定,大量對於種族議題,貧富差距,槍枝氾濫,性別平等做討論的作品,都像是在對川普(Donald Trump)執政的美國政府,做出沉默卻有力的質問。

對於惠特尼雙年展的忠實觀眾而言,最大的不同,莫過於因為展場空間擴大的關係,終於一改過往觀展時「摩肩擦踵」的經驗。尤其這次策展人有意參展藝術家的人數大幅降低(從上屆的100多位到本屆的63位),讓每位藝術家有更多平方公尺的展覽空間,展出數件作品,勾勒出藝術家當下的創作思維。挑高的展場,也能支撐大型突破傳統的裝置作品。另外,策展人充分運用惠特尼美術館的戶外庭園,三樓的辦公室空間,走廊等做為展覽空間,充分運用、呈現了之前在舊館無法提供的視覺感受。

值得一提的是,傳統媒材如繪畫、雕塑還是在雙年展中佔了不少份量。雖然當代藝術家傾向用錄像,裝置 或者最近流行的VR創作, 但是策展人「公允」的挑選許多繪畫作品,忠實呈現美國當代藝術的樣貌。

貝爾(Larry Bell)作品《Pacific Red II》展出一景。Whitney Biennial 2017, Whitney Museum of American Art, New York, March 17-June 11, 2017. Collection of the artist; courtesy Hauser Wirth & Schimmel, Los Angeles.  Photo by Matthew Carasella.

貝爾(Larry Bell)作品《Pacific Red II》展出一景。Whitney Biennial 2017, Whitney Museum of American Art, New York, March 17-June 11, 2017. Collection of the artist; courtesy Hauser Wirth & Schimmel, Los Angeles. Photo by Matthew Carasella.

批判色彩濃厚,反思美國當今社會現況

惠特尼雙年展一直有著藉由藝術,呈現美國當代社會議題的傳統。本次策展人也大幅選入了以時事,政治,社會做為主體的作品。在川普為美國總統的今日,貧富之間的懸殊差距及階級對立,不斷地挑動著社會中早已緊繃的神經。在對社會現況進行批判的作品中,最引人注目的,就屬《占領美術館》(Occupy Museums)這件作品。這個藝術行動是由波倫多(Arthur Polendo)、布朗(Imani Jacqueline Brown)、彼特羅波諾(Kenneth Pietrobono)、費雪(Noah Fischer)及貝里(Tal Beery)在2011年所發起的。

傑明森(Aaron Flint Jamison)《Footer/Content Chassis/This Pull Request》。(攝影/謝伊琳)

傑明森(Aaron Flint Jamison)《Footer/Content Chassis/This Pull Request》。(攝影/謝伊琳)

本作品位於美術館五樓,牆上引用了身兼全球最大影子銀行貝萊德(Blackrock)的總經理,以及紐約現代藝術博物館委員的芬克(Larry Fink)的話:「The two greatest stores of wealth  internationally today [are] contemporary art […and] apartment in Manhattan.」開宗明義的指出當代藝術的市場,好比做曼哈頓黃金地段的房價一樣的價值不菲。不過,諷刺的是,這位美術館/教育機構的慈善贊助者,同時也可能是藉由剝削窮人債務(當中不乏藝術家族群)而致富的銀行家。此件作品,包含了一個2012年發起的網路企畫debtfair.org ,調查將近500位藝術家,為了藝術創作而產生的債務狀況(總債務為:4,333萬美金,將會隨著參與人數的增加而持續升高),將他們對於兼顧藝術,財務兩難的經驗,投影於牆上,讓觀眾親身見證慈善家/剝削者雙重身分的諷刺,以及藝術家的掙扎。此屆雙年展願意呈現這件自我批判的作品,(惠特尼美術館也是高度依賴私人捐館的藝術機構),也再次顯示館方對於社會正義及言論自由的捍衛態度。

庫里安(Ajay Kurian)《Childermass》。(攝影/謝伊琳)

庫里安(Ajay Kurian)《Childermass》。(攝影/謝伊琳)

除了展出多件帶有批判色彩的作品之外,本次雙年展,也提供藝術家籌畫行動,嘗試改變社會現況的機會。 例如,移民自波多黎各的藝術家羅薩多-錫歐(Chemi Rosado-Seijo)發起了「Salón - Sala - Salón (Classroom/ Gallery/ Classroom)」藝術計畫。羅薩多-錫歐與位於紐約移民眾多的下東區曼哈頓下城藝術學校(Lower Manhattan Arts Academy)合作,將展場和學校互換。將作品展於教室中,同時邀請學生到美術館上課。羅薩多-錫歐直接運用藝術家的力量,改變了學生(或者未來藝術家)的經驗,體現藝術中的社會性。大量的年輕學生進出所展現出好奇,興奮,憧憬等能量,也同步的改變了展場氛圍,為雙年展注入了親民,活潑的活力。這件作品也顯示惠特尼美術館願意嘗試卸下高塔,提倡「民眾經驗為先」的努力。

羅薩多-錫歐(Chemi Rosado-Seijo)作品展出一景。(攝影/謝伊琳)

羅薩多-錫歐(Chemi Rosado-Seijo)作品展出一景。(攝影/謝伊琳)

《占領美術館》展出一景。Whitney Biennial, March 17—June 11, 2017. Thirty artworks and interactive website. Whitney Museum of American Art, New York.

《占領美術館》展出一景。Whitney Biennial, March 17—June 11, 2017. Thirty artworks and interactive website. Whitney Museum of American Art, New York.

《占領美術館》展出一景。Whitney Biennial, March 17—June 11, 2017. Thirty artworks and interactive website. Whitney Museum of American Art, New York.

《占領美術館》展出一景。Whitney Biennial, March 17—June 11, 2017. Thirty artworks and interactive website. Whitney Museum of American Art, New York.

現地製作,善用美術館新建築空間

本次雙年展,是首屆在皮亞諾所設計的美術館建築裡展出。皮亞諾所設計的高挑、無樑柱展場,較之前布魯耶(Breuer)更有彈性,也更適合展出當代藝術所特有的複合媒材,大型裝置。另外皮亞諾建築中強調與當代地景的結合,建築本體運用大片落地窗,讓戶外花園或者是哈德遜河成為展場的背景。這樣的空間設計,也讓本次參展的藝術家,因地制宜的設計作品,達到令人意想不到的視覺效果。

居於洛杉磯的藝術家戈爾登(Samara Golden),選擇了面對哈德遜河的角落,利用美術館約六米的挑高,做出多個夾層,放置迷你傢俱,製造幾可亂真的多組室內空間,再將四面牆及天花板加上鏡子,以萬花筒的概念,呈現出無限樓層的令人目眩神迷的視覺效果。戈爾登邀請觀眾進入特殊設計的平台觀看時,巧妙的引發觀眾產生一種「混亂」的經驗;起先觀眾會以為面對的是一個千層樓的裝置,直到定睛觀察,才會發現當中玄機。戈爾登期待翻轉觀眾一般「用頭腦閱讀文字」的觀看經驗,轉而讓「身體感受空間」。這件需要「解密」的作品,也意外的成為開啟美術館人員與觀眾話題的自然契機。

戈爾登(Samara Golden)作品展出一景。Whitney Biennial 2017, Whitney Museum of American Art, New York, March 17-June 11, 2017. Photo by Matthew Carasella.

戈爾登(Samara Golden)作品展出一景。Whitney Biennial 2017, Whitney Museum of American Art, New York, March 17-June 11, 2017. Photo by Matthew Carasella.

戈爾登(Samara Golden)作品展出一景。(攝影/謝伊琳)

戈爾登(Samara Golden)作品展出一景。(攝影/謝伊琳)

墨西哥出生,定居於紐約創作的藝術家德涅韋斯(Raúl De Nieves)在美術館的六樓運用彩繪玻璃的概念,創造出另類的宗教屬靈經驗的作品《beginning & the end neither & the otherwise betwixt & between the end is the beginning & the end》。 由天花板到地板將近六公尺的彩繪玻璃,德涅韋斯織繪出宛如天堂、人間、煉獄的三層不同光景。配合彩繪玻璃壁畫,他同時創作了多間仿造人形,但融合民俗宗教人物的雕塑。 身為男人的德涅韋斯, 對於傳統被視為女性藝術家擅長的編織媒材,或者時尚議題,皆感到極大的興趣。例如,本作品的五件雕塑是由無數的串珠所編織而成,靈感來源自他對於女鞋設計能夠千變萬化的迷戀。這件作品除了展現德涅韋斯強烈的個人風格之外,也模糊了男性/女性藝術家,傳統宗教/民俗信仰之間的界線。

拉札(Asad Raza)作品展出一景。(攝影/謝伊琳)

拉札(Asad Raza)作品展出一景。(攝影/謝伊琳)

另外,在接近美術館戶外庭院的展場,策展人安排了紐約藝術家拉札(Asad Raza)的作品《Root sequence》。藝術家在展場展出了26棵樹,並且安排園丁/護樹員在展覽輪班,與觀眾交談,試圖翻轉美術館的參觀經驗。《Root sequence》的展出現場,頓時成為人們社交的場合,觀眾與園丁「討論為什麼要將樹種植在美術館?樹的品種?什麼時候會開花?」。拉札認為這些輪班照顧樹的園丁,也是展現作品精神的一部分,除了邀請他們將對自己有珍貴意義的物件,放置在樹叢間,成為作品的一部分之外,更與美術共同舉辦公共項目,分享他們自身與樹「相處」的經驗。

拉札(Asad Raza)作品展出一景。(攝影/謝伊琳)

拉札(Asad Raza)作品展出一景。(攝影/謝伊琳)

整體而言,兩位策展人確實地呈現了美國當代藝術的活力與多元性,不論是以當今政治,社會為題的作品,或者現在火紅的VR 裝置,互動遊戲等,都可以在此屆雙年展中看見 。

(原文刊於《典藏‧今藝術》 5 月號)

發表意見