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是跨界 不只是多媒體

2017/9/11 — 17:45

左起作品:親密、肖像曲、像是動物園 2.0

左起作品:親密、肖像曲、像是動物園 2.0

假如有人說他能聽見顏色;或稱他想以聲音做雕塑,一般反應多是認為這些都是高大空的宣言。的確,康丁斯基 (Kandinsky) 曾說音樂是終極的老師;約翰・凱吉 (John Cage) 的樂譜根本就是畫,其音樂更具雕塑的結構性。這些打破感觀界限的情況,好似是此等大師的專有經驗,但細心往自己內心看,其實每個人都有過──看見某種情景,腦內響起聲音,甚至音樂;或者聽到聲音想起某種情景,歷歷在目。

日常習慣界定我們的感觀知覺,以眼晴看、用耳朵聽,於是我們察覺不到自己天生也具有這種跨越感觀的能力。然而眼晴能聽,耳朵能看不是甚麼藝術高大空,而是一次關於自己的思考。黎蘊賢希望用創作覺醒觀眾。「我想將界模糊,當前設被打破時,觀眾才會思考:『我在看甚麼?』」

黎蘊賢是 orleanlaiproject 的創作監製。今次她邀請不同界別的藝術家,進行一系列打破形式的跨媒界創作。不單參與的藝術家要跨越慣常的創作及思考模式,作品也挑戰觀眾的觀賞經驗。系列頭炮《親密 Claustrophobia》,便是一次跨越裝置聲域敘事的劇場體驗。

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「其實傳統劇場本身已經是多媒體,有燈光有音樂;但我不認為這些是跨界,是 multi-media 而不是  inter-media。跨界對我來說是如何令藝術家以其他藝術家的方式思考。」黎蘊賢說。

作品由三位藝術家合力創作。譚偉平的崗位是裝置敍事,他的創作不是佈景,而同時有敘事元素。袁卓華和馮程程負責音像寫作。所謂音像寫作,即撰寫的不是文字而是聲音。他們在創作過程中須要將思維調校至與對方同步──正是黎蘊賢所說的「跨界」。馮程程同時負責導演工作,不過她形容自己並非《親密 Claustrophobia》唯一導演,因為整個創作過程中藝術家是互相啟發引導,大家都是大家的導演。黎蘊賢進一步解釋這種跨界方式:「平常的劇場創作都是先有文本,然後用聲音及佈景去配合敍事,是一種服務文本的形式。《親密 Claustrophobia》打破了這種分工,聲音及舞台裝置是平衡敍述,豐富藝術家本身的創作內涵。」

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黎蘊賢去年到歐洲考察,跨界創作便是受歐洲經驗啟發。「歐洲有不少表演,都在嘗試拉闊空間及形式的想像,如在展覽場內演出,或者視覺藝術家在演出場地創作。他們不會界定那是展覽、音樂會還是劇場,概念很廣闊。」

親密 Claustrophobia

親密 Claustrophobia

《親密 Claustrophobia》之後,同系列還有明年舉行的《肖像曲》(Songs of Portrait) 及《像是動物園 2.0》( Zoo as Metaphor 2.0) (暫名)。《肖像曲》是音樂家許敖山及紀錄片導演卓翔的合作,是一場崑曲、日本能劇及意大利歌劇三種傳統的相遇。《像是動物園 2.0》是一次奇異的展視,其第一版本於 2014 年在油街展出,當時的主題是好奇匣。今次升級版是一場 freak show,包括視覺藝術家(伍韶勁及區華欣)、劇場導演(馮程程)及音樂人(許敖山)的合作,是一場體驗式的藝術旅程。展覽分時間場次,於是觀眾可能會問:那是展覽還是表演? 「可能目標觀眾不是『大眾』,我的 project 對觀眾都是考驗,不容易閱讀。在《親密》的宣傳會上有人問:『這個是不是舞蹈表演?是戲劇?有沒有故事?』觀眾總想盡快將表演歸類,然後套入設定框架以便閱讀。 假如你告訴他不是這樣也不是那樣,他會不知如何是好。」黎蘊賢說。

《肖像曲》(Songs of Portrait)

《肖像曲》(Songs of Portrait)

《像是動物園 2.0》( Zoo as Metaphor 2.0)

《像是動物園 2.0》( Zoo as Metaphor 2.0)

不知如何是好,或者不明白在觀看甚麼,都是黎蘊賢用來刺激觀眾思考的方法。傳統的表演與展覽跟觀眾的關係也因此打破。拿掉傳統的設定後,觀眾不單純是進場看演出,被動接受的一方,也有份參予敍事。觀眾入場產生疑問,每個人的疑問都是一場獨特的經驗,於是就像《親密 Claustrophobia》文宣中的形容,是「一場既集體又獨自的歷驗」。這種經驗可能不單只出現在觀眾身上。團隊在跨界合作中,也經歷思維震盪,從中獲得更多啟發。「其實整個過程,甚至去到綵排後段,也有很多『未知』。沒去到最後,我們也想像不到結果。當然參與的藝術家、劇場人、音樂人,他們大抵能想像演出會是怎樣,某程度上也可以預視效果。但在開首的階段都會處於混頓狀態。說實在這個令我非常憂慮,但就是因為當中包含『未知』,於是令整件事變得更有趣。」黎蘊賢在訪問尾聲不斷表示「驚架,真係好驚!」

(本文為贊助內容)

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