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設計非表象:我在世界劇場設計展所學到的二三事

2017/7/18 — 17:27

先說明這這篇文章不會客觀地介紹整個設計展,只是作為參加者,主觀地按著自己所參與的活動和經驗,選擇其中相對有所感應,及能與到香港劇場文化環境相對照的,分享一些主觀的觀察和反思。

世界劇場設計展跟香港人較為熟知的布拉格四年展(PQ) 最大的不同之處就是,後者是以國家/地區為單位參與,而前者則是透過個別設計師主動地以個人所參與的作品報名,經評審選出後方能展出,情況有一點像台灣的金馬獎和金曲獎。因此其中很可能有很多大師輩或現在炙手可熱的設計師,因為工作太忙而沒有報名也說不定;其次是,舉辦的地域也是影響參展者成分的重要因素,例如今次的舉辦場地是台灣,明顯地亞洲報名與獲選人數相對上佔了很大的比例,在得獎名單中,台灣及中國也佔了大多數,墨西哥才是緊途其後的非亞裔國家。

但畢竟重點不在結果,整個設計展是難得讓各地劇場作品匯聚,展示當今設計思潮的場域,並且除了展覽以外,還有不同的演說講座,工作坊,演出,是一個難能可貴的學習現場,也令作為劇場創作者的我,在一個更大的板圖和脈絡下,重新反思劇場在文化上的角色和可能。

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整體劇場設計(Performance Design)的新視野

Performance Design 是在傳統的舞台(Set),  服裝(Costume),燈光(Lighting) 的分域以外的一個項目,類近歐洲劇場美學(scenography)一詞,按這設計展的準則是只要是同一位設計是在「台、燈、聲、像」上擔當於多過一個單位就屬於此項。而在亞洲地域裡頭,可能是基於教育或是製作體系的限制,我們還是很少生產出這類較全面的設計師。

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而撇除傳統形式的製作,特別想提到的是在新進組取得Performance Design 金獎的作品 < 3 Catastrophes I Happily Survived > (筆者譯《三個災難與我快樂地生存下來》), 這個作品是的來自墨西哥的Rodrigo Corte,於瑞士蘇黎世藝術學院的畢業創作(主修互動劇場設計)。設計師同為此劇的編作者, 他把自己一生中經歷/擦身而過的災難,以三種不同的風格形式,在三個不同的空間裡構成了讓觀眾經驗的參與式劇場。

按時間倒序,他先以擬似核電儀器的巨型裝置讓觀眾以獵奇形式回塑2011的日本311震災事件,接下來以2005年倫敦的地下鐵爆炸案為背景,讓觀眾像當天的遇難者一樣安靜地躺於密室之內,最後是作者童年時,於1985年發生於墨西哥城的大地震,他以童年的視覺,想像是因為有哥斯拉襲擊地球而娓娓道出那嘛人的災難。這個作品的美學有趣在它並”不美”,也不是那種要很龐大資金所製造出來的華麗演出,反倒在非傳統劇場空間進行的作品,有好好地活用到現存的空間的特性,以及一些有趣而簡單的隱喻。

此外,在舞台設計獎(Set Design) 以外還有空間設計獎(Space Design)一項,專業組的金獎同樣是有來自墨西哥的年輕設計師JESUS HERNANDEZ奪得,其作品PSICO/EMBUTIDOS 是一個以消化系統為概念設計的作品,觀眾每兩分鐘移動,每次以單對單形式跟全祼的演員近距離互動,也是讓人耳目一新的作品。

劇場以外跨界合作的作品

來自韓國的聲音設計師Junghoon Pi (皮定勳)在「Sound Kitchen」系列講座裡的分享。他介紹的並非劇場作品,而是他跟視覺媒體藝術家Kimchi & Chips合作的多媒體裝置,傳釋了如何以作曲及音響程式的設定,將劇場的技術與一個「不動」的視覺藝術作品及其所處空間呼應連繫,為帶來了一種表演的的意味和生命力。

不得不提及的是由ACC (韓國光州文化中心Asia Cultural Centre, Gwangju)所贊助的作品”Light Barrier” 3rd Version。ACC不僅提供資助,更重要的是在場地安裝測試的時間,讓他們得以將舊有作品概念大幅地發展並提升,其規模之大也實在是讓人羨慕的。

「物」的表演性

皮定勳又介紹了他跟Kimchi & Chips合作的另一作品483 lines,則是在學院裡開發的作品,在視覺上讓皮定勳想起了鐵路的移動而成為聲音創作的源頭。看著那作品的視頻我想到的是那作品或概念其實也是很有趣的,可融入表演的創作完素。這又連結到在本屆的scenofest(註1) 中出現了好幾組單位,也是表演者從缺的,以物件或劇場設置(如燈具或揚聲器作為演主體的作品,好像以滑輪懸吊物件、或是燈光投影於一道具、或是將燈光安置於身體,而身體卻是隱匿的作品。在有關2019的布拉格四年展簡報會上,主辦方亦介紹了一項新的環節,名為 360°, 他們選址了一座充滿著歷史人像雕塑的建築作為實驗場,讓聲音、燈光以及多媒體藝術家在裡面作出不同的測試,引發在文字和身體以外,說故事的可能。可見劇場的設計完原素早以不限於幕後的附助,而更有可能發展成表現和演出的主體。

以劇場改變建築和空間的命運

在三場重點演講中,印象最深刻的是主要跟Peter Brooke 合作的設計師Jean-Guy Lecat.。他的講辭中主要介紹的並非他的設計,反而是他們演出所到的場域,它們往往都是帶著「前世」的閑置空間,包括為人所屬知的巴黎Theatre des Bouffes du Nord 。他提及當時當大部分人都以為要以大量金錢重建或修葺之際,他們的團隊卻正正喜歡那些現存建築作保有的不完整和裂痕,那些是無法重構的時間痕跡。因此在他們的劇團到各地巡迴演出的時候,很多時他們都不是去製造舞台的佈景,反倒是製造觀眾席,讓人得以結聚,讓劇場得以發生,也不自覺地,讓一個個古老的倉庫,快要被拆的教堂或是快將被遺忘的建築物得以保留下來甚至成為讓人拜倒的劇場殿堂。到底要以什麼樣的方法,才能讓我城的發展商和政府,願意放下浩支龐大的建造概念,願意輕輕地打開閒置空間的大門,讓我城的創作者和觀眾,有更多不同的經驗和體驗?而作為創作者,我們又如何可以更大力的掙脫於資源限制的思想困局中,以更大的熱情和想像來創作,直接實踐和驗證不可能的可能?我們又能否在挑戰高牆以外還保有直面世界的視野?我想這是每個劇場人都可以在自己的崗位上再向前思考的一步。

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註: scenofest 為英藉劇場美學設計師Pamela F. Howard所創立的,為世界劇場設計展加入演出部分並讓資深與年輕設計師得以交流學習的平台。

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